EXTREMODURO, “Mezclar agua con sed” Las uvas se comen con la familia (2004)

Este es el último post de Gabba Gabba Hey! en este 2011, un año del que muchos no guardaremos especiales buenos recuerdos. Quizá dentro de treinta años, cuando seamos no viejos, sino definitivamente viejos, apreciemos esta mierda de año de crisis, miedo, decepción, no demasiada buena música, ni cine, ni ná de ná. Algunos se levantaron aquí y en el norte de África, la salud de los que conozco anda bien, seguramente mucha gente se habrá enamorado, otros no han perdido la esperanza, y mal que bien hemos reído y llorado, lo cual indica que seguimos estando vivos. Pero es poco… Hay que conseguir más, mucho más, y sólo hay una vida para gastar. ¿Cuando se acaba el año quién no se pone trascendental antes de emborracharse? Pues eso. Y cuando se acaba el año, ¿quién no se refugia del miedo al futuro en los suyos? Pues yo me refugio en Extremoduro, que las uvas se comen con la familia.

LÜGER, “Dracula´s Chauffeur Wants More” Bendita esquizofrenia (2011).

“Madrid te ataca. Si no viviéramos en Madrid no haríamos esta música tan esquizofrénica”. Así explica Lüger el por qué su paranoia. Especialmente en este tema Lúger es una serie continua de explosiones de efectos, electricidad hasta el calambre, sintetizadores de otra época, psicodelia, tensión, ritmo de ataque al corazón; ritmo de carrera de un cocainómano doblemente pirado perseguido por la policía. Y como siempre, al menos para mí cuando se trata de space rock o rock psicodélico, noche, muucha noche. Madrid para los fuera es una mujer atractiva con mil encantos ocultos que deseas encontrar y disfrutar; Madrid para los de dentro puede ser una cárcel. Si la esquizofrenia de Lüger se explica por cómo perciben sus componentes esta ciudad, tengo que decir que soy un egoísta; quiero que Madrid les maltrate para que sigan así de locos.

GLASVEGAS, "Daddy´s Gone" "Cómo es que eres mi héroe y sin embargo nunca estás aquí" (2007).

Siguiendo con este espíritu navideño que nos embarga, es hora no ya de brindar con vinagre con el “Evil” macabro (pero épico) de Interpol, sino para acordarse de los que no están. Sigo pensando en los que en estas fechas, ante la avalancha espantosa de buenrrollismo obligatorio, no tienen la capacidad de coger esa ola de falsa euforia que nos lleva al Corte Inglés. En Corea del Norte se ha muerto su “Gran Líder” y es obligatorio por ley mostrar signos externos de tristeza desmedida ante semejante pérdida. En nuestra democrática Navidad también hay una obligatoriedad de mostrar signos exteriores de felicidad en estas fechas. Sin embargo hay gente que no puede, por muchos motivos. “Daddy´s Gone” de Glasvegas muestra en un pedazo de canción uno de esos importantes motivos que convierten a la Navidad en esta fiesta tan cruel.

INTERPOL, "Evil" Brindando con vinagre (2004).

Dado que estamos en estas entrañables fiestas qué mejor que poner la canción que recuerdo que está basada en lo más procaz, desagradable, dantesco y cuantos adjetivos quieran usarse. No es que sea alguien que esté enfadado con el mundo ni que le guste despreciar lo que aparentemente todo el mundo valora. Es sólo por equilibrar con tanto amor, aunque sea por brindar con vinagre con quien no puede sentirse tan bien en estas fechas. Si la banda sonora de la Navidad fuera el Merry Christmas de los Ramones o el Christmas, Baby Please Come Home de U2, quizá seguiría brindando aunque fuera una sola vez con los marginados de la Navidad, pero al menos no me parecería todo tan hortera. “Evil”, maldad, un título que promete para la que me parece la mejor canción de Interpol. Una canción basada en dos asesinos en serie.

TENNIS, "Marathon" Música perfecta para ponerse a nostalgiar (2011).

A principios de año una pequeña banda de Denver (Colorado, EE.UU.) formada en esencia por un matrimonio de jovencitos que no tenían pinta de fumar ni de beber debutaba con su primer disco de larga duración llamado “Cape Dory”. Tennis, se hacían llamar. Ella, vocalista y teclista, se llama Alaina Moore; él, guitarrista, se llama Patrick Riley. Ambos son rubios, de piel clara, vestir clásico, sonrisa inocente… muy en consonancia con su música inspirada en el pop más sesentero. Sonido limpio, letra “limpia”, voz dulce. Retro pop, lo llaman, como si hubiera algo en música hoy que no sea retro. “Cape Dory” es la experiencia de la pareja navegando un año por el Atlántico en un velero de treinta pies. Alaina tenía formación clásica de piano y él había tocado en alguna banda local pero en alta mar no pensaban en música sino en la vida y la experiencia que vivían. Cuando comenzaron a pensar en el pasado… se convirtieron de nuevo en músicos. Y en matrimonio. La música que les nació, fue la perfecta para nostalgiar.

THE BABIES, "Wild 2" "Y vamos a montar de nuevo algún día" (2011)".

Siguiendo con mi repaso de parte de lo que he olvidado plasmar aquí del 2011, recuerdo a The Babies y su “Wild 2”. The Babies, grupo que se creaba a finales del 2010 en base a dos artistas contrastados; Cassie Ramone, la chica, de las Vivian Girls y Kevin Morby, el chico, de Woods. Ambos de Nueva York, más concretamente de Brooklyn, lugar como he comentado que representa a día de hoy en el arte lo que el barrio Montmartre de París representaba hace cien años. Se conocieron, se enseñaron cuanto menos partituras y en apenas unos meses se metieron en la trastienda de un local para grabar su disco de debut homónimo que vio la luz en febrero de 2011. La verdad, son de los que demuestran que no hace falta tanta historia para grabar un puñado de canciones a no ser que seas Extremoduro y quieras hacer una obra de arte de más de 90 pistas.

NACHO VEGAS, "La Gran Broma Final" "Hay quien decía que era grande y fuerte nuestro amor. Y lo era igual que las Torres Gemelas, allá en Nueva York" (2011).

Haciendo el primer recuento de lo que me he dejado sin poner aquí del 2011 me doy cuenta de que faltan algunas cosas. Seguramente la mayor ausencia es presentar algo de “La Zona Sucia”, el disco que sacó Nacho Vegas en febrero. Quizá la ausencia se deba a que el gran Nacho Vegas es alguien a quien recurres en momentos especiales. Un día de primavera luminoso, con ganas de salir a calle, de entrar a un bar, de charlar y reír con amigos no es el mejor escenario para la música de este tímido asturiano. La llegada del frío, los días cortos y oscuros, el viento, las ganas de no salir de la habitación y de beber cerveza sólo sí que inclina a caer en la tentación de escuchar bien ese disco, así como su EP “Cómo hacer crac”… Y si terminas cayendo en esa tristeza emocional, te verás a ti mismo escuchando la discografía entera, asintiendo para tus adentros porque Nacho canta verdades de a puños; fracasos basados en sus propios fracasos pero que al fin y al cabo son universales; canta a los matices de la vida y los presenta con su cotidiana y bella crueldad. No conozco a nadie que se abra el pecho de par en par como él, y muestre todas sus entrañas, desde lo más hermoso, que es mucho, a lo más tenebroso, que puede llegar a ser más. José Tomás dicen que quiere morir en la plaza. Nacho Vegas retransmite cantando su propia autodestrucción sentimental y vital, hasta un punto quizás peligroso.

THE TRANZMITORS, "Some Girls" Parecen chicos de Quadophenia, suenan como los Jam punkers (2006).

En 1977 el mundo también estaba en crisis. La subida del precio del petróleo desde 1973 provocó inflacción, paro, empobrecimiento generalizado y se implantó un cambio de paradigma en el modelo económico, adoptándose el neoliberalismo como solución, con los consiguientes recortes del estado en gasto social. La época de las flores, la ampliación de derechos, la mayoría de edad de la juventud estaba tan muerta como Jim Morrison. La historia se repite. Volvemos a estar en crisis, se vuelven a aplicar las mismas recetas mágicas y también ha acabado una época de optimismo generalizado donde en vez de flores y psicodelia había chalets adosados y coche guapo para todos. En 1977 el asco se tradujo en punk. Ahora… más que asco noto miedo. Pero el punk sigue siendo buen refugio. Y  The Tranzmitors suenan exactamente igual que los pioneros del mítico año 77.

LEONARD COHEN, “Show Me The Place” Señor Cohen, permítame que sea yo quien me quite el sombrero (2011).

Leonard Cohen es un género en sí mismo. Más aún, es mucho más que música, y lo digo yo, que creo que la música en sí misma es muchas cosas. Leonard Cohen es poeta, novelista, cantante… y mucho más; un hombre que transmite honradez en un mundo corrupto; un hombre sabio en un mundo en el que cualquiera habla sin saber; un hombre espiritual en un mundo en el que lo más profundo es un debate a muerte de telebasura… Un hombre extraño y extraordinario, fuera de su tiempo. Si este blog es de música del siglo XXI no es porque el tiempo que nos ha tocado vivir me aparezca especialmente admirable… Es simplemente porque es nuestro tiempo, aunque me entristezca… Leonard Cohen, el hombre atemporal, el que nunca estuvo a la moda, es un tesoro que envejece pero sigue reluciente. Su discurso reciente en la recogida del Premio Príncipe de Asturias de las Letras este 2011 es una buena muestra… No sé si estuvo más brillante o más emotivo.

RADIO MOSCOW, “I Don´t Need Nobody” ”Rock psicodélico para tu alma” (2011).

Así hablan de sí mismos Radio Moscow; “rock psicodélico para tu alma”. Y desde luego no engañan. Escuchar “I Don´t Need Nobody” es volver al verano de 1967, y ver en la playa iluminado por una fogata la figura mayestática de Jimmy Hendrix con una cinta en el pelo contoneándose por lo que podría ser perfectamente su música. Todo en Radio Moscow suena a psicodelia blusera. Incluso las portadas de sus tres discos. Cualquiera diría que el bueno de Jimmy dejó unas cuantas canciones enterradas a modo de tesoro en algún lugar y estos chicos de Iowa lo descubrieron.
 

JAVIER CORCOBADO, "Losing Touch With My Mind" Música para escapar (2011).

Losing Touch With My Mind la escucho ahora que es de noche; ahora que la prisa de los coches y la gente se ha parado; ahora que es una noche lenta, de no salir; ahora que con la puta crisis dan ganas de evadirse a otro mundo; ahora que hay tiempo de escuchar canciones de diez minutos con un intro de minuto y pico que te pone en estado zen; ahora que el rock psicodélico revive en esta versión de un clásico de Spacemen 3 a manos de Javier Corcobado; ahora que me gustaría que Lou Reed tuviera mi edad, y no hiciera ese bodrio infumable con Metálica; ahora que hay algo como esto que no sólo me recuerda a Velvet Underground, sino al Bowie que no se volvió pijo en los años ochenta.

CAGE THE ELEPHANT, "Shake Me Down" A levantarse ¡joder! (2011).

“Shake Me Down” está considerado como uno de los mejores videoclips de este años 2011 y yo la considero una de las canciones con la letra más necesaria en esta época que nos ha tocado vivir. Esta canción es un soplo de aliento; un grito de orgullo y de confianza frente  la adversidad; un “quiero y puedo”. Un desafío a la tempestad que cada uno siente; desde el infierno interior hasta el infierno de los putos mercados. En momentos como ahora, como hoy, 17 de noviembre de 2011, en el que abres los periódicos y lees titulares ya conocidos sobre fotografías de personas sangrando, se necesitan canciones que den ánimos. “Protestas en 60 ciudades italianas contra los planes de austeridad”; “La policía dispersa a miles de manifestantes en Atenas”; “El BCE vuelve a salvar a España de adentrarse en la zona de rescate”; “Detenidos unos 170 manifestantes en las inmediaciones de Wall Street”; “Siria al borde de la guerra civil”… Todos los titulares del mismo día. En una época en que mueren en España más personas por suicidio que accidente de tráfico. En esta época además de la rabia, necesito que alguien cante de modo que den ganas de creer algo como lo que cantan Cage The Elephnat en “Shake Me Down”; “Incluso en un día nublado…mantendré mis ojos fijos en el sol”.

MADEMOISELLE K, "A L´Ombre" La rabia, la electricidad, la protesta (2006).

Dicen que Francia mira mucho hacia atrás. Que se recrea en un pasado en el que París era el centro cultural del mundo; desde los últimos filósofos con influencia real en la gente, hasta genios de la literatura viviendo sin blanca; desde artistas que reinventarán el arte hasta exiliados de mil batallas perdidas que se refugiaban en bares y cabarets para lamerse las heridas. La bohemia francesa… la única bohemia verdadera. El francés era el idioma culto y daba igual que Nueva York fuera más moderna, Londres más poderosa y Berlín más amenazadora. Por eso la música del siglo XXI en Francia sigue anclada varias décadas atrás, sin alternativas que sorprendan fuera de Francia. Sigue mirando a sus clásicos, porque siguen amando demasiado a su idioma como para que se escuche fuera de Francia, ahora que ya no hay ningún idioma culto. La “chanson française” se sigue haciendo igual que en la época de Charles Aznavour. Pero un país con la potencia cultural que tiene Francia siempre produce excepciones que son de admirar y de alucinar; la irrupción de Mademoiselle K fue d admirar y alucinar… en colores.

GLISS, “Morning Light” La luz de la mañana te señala con el dedo (2009).

Hay grupos que saben definirse. Que tienen muy claro lo que saben y quieren hacer. Que fondo y forma lo ponen al servicio de esa idea. Que saben que la música es más que sonidos bellos o divertidos para que la gente pase el rato. Grupos con alma. Gliss, este trío angelino injustamente poco reconocido son maestros en el lo-fi, ruidoso, distorsionado y a la vez melódico.  A menudo muy parecidos a The Raveonettes, quizá por eso sean ambos de mis grupos favoritos de este siglo. Shoegaze con ramalazos de dream pop y psicodelia, permaneciendo en oscuras atmósferas, mundos decadentes quizá inspirados en el propio aire decadente de Los Ángeles; música para escuchar de noche, para ponerle ritmo a los fantasmas que la habitan; o para escuchar al alba oliendo a alcohol, tabaco y culpa mientras se muere del todo la ciudad justo antes de volver a nacer. De hecho, lo primero de Gliss que aparece en Gabba Gabba Hey! es “Morning Light”. Esa luz de la mañana tan odiada, pero que dice verdades como puños.

THE RIGHT ONS, “Purple Neon Lights” ¿Mejor canción española del año? (2011).

El día 7 de noviembre de este 2011 salió a la venta el tercer disco de los madrileños (¡qué viva Malasaña!) The Right Ons (“Get Out”), una banda no muy conocida pero muy bregada para la juventud de sus componentes (nacidos entre 1980 y 1981) en escenarios de medio mundo, desde Estados Unidos y Brasil a Japón pasando por diversos países europeos. Siempre he pensado que en los escenarios es donde se hace el músico, y en otros lugares y momentos vitales donde nace la música. Y no ser conocidos no les ha impedido codearse con grandes de la música como Mando Diao o The Bellrays. “Grupo gourmet” es expresión más apropiada que “poco conocido”. Su exquisitez musical basada en un rock clásico con ribetes funk y soul me pasó desapercibida. Pero han abandonado su antiguo estilo y me han dado una bofetada. La seguirán dando a los que escuchan su nuevo “Get Out”. Aquí no hay nada blandito. Es un pequeño alijo de sólo siete canciones de rock and roll de extrema pureza.

BAND OF HORSES, "The Funeral" Uno no está derrotado hasta que acepta la derrota (2006).

“The Funeral” es para mí una de las grandes canciones del siglo XXI. Forma y fondo en armonía, para, poéticamente, exponer de forma brillante un tema con el que cualquiera puede sentirse identificado; el fracaso. Es más, el fracaso anticipado, la preparación para el fracaso, la idea de derrota rondando tu vida y enturbiándola. “En cada ocasión estoy preparado para el funeral” repite Band of Horses en este tema. No se trata tanto de la muerte física, como de esa sensación que se sufre cuando una relación se rompe. Preparar el traje negro y tener pagado el nicho y el ataúd, para cuando ella se vaya.

SURFER BLOOD, “Miranda” Nostalgia veraniega (2011).

“Uno siempre desea lo que no tiene”, “sólo se valora algo cuando se pierde”. Por fin ha entrado el verdadero otoño. Cuando hablaban de “otoño caliente” se referían a otra cosa, no a un verano que se prolongaba por encima de la lógica. El cambio de hora, el viento, las primeras lluvias, la oscuridad temprana, la ropa olvidada al fondo del armario… va haciendo que el verano comience a diluirse en la memoria. Ahí es cuando ves con una nostalgia impropia del tiempo pasado el último vídeo de los Vaccines, “Wetsuit”, dedicado a los festivales de verano; en esos momentos en que el amenazador y aburrido noviembre llega es cuando escuchas el sonido beat y surf de los andaluces Airbag creyendo que estás en una película en la que siempre es verano; y es cuando lo último de Surfer Blood no sólo te suena bien porque es pegadizo y sencillo de degustar, sino porque te dan ganas de cerrar los ojos y notar el viento aún cálido en tu cara bajando la ventanilla de un coche que va a una playa de la que están yendo los últimos adictos al sol y se quedan los adictos a la puesta de sol con unas cervezas.

THE BLACK KEYS, "Lonely Boy" Peligro de contagio bailongo (2011).

Hay momentos y momentos. Últimamente abundan canciones en este blog o intensas o serias o trascendentes o tristes. No soy vitalmente post-punk ni pienso suicidarme a lo Ian Curtis así que si aparecen canciones así es porque me parecen buenas, interesantes, sinceras, yo qué sé… Pero nada más. Cualquiera busca canciones con las que sentirse identificado, pero casi todos prefieren que esa identificación sea positiva; un buen recuerdo, un subidón de adrenalina, algo bello… y si incita a moverte con una medio sonrisa, mucho mejor. Y aquí está uno de los temas más alegres que he escuchado últimamente, y creo que el más alegre de toda la discografía de los Black Keys. “Lonely Boy”, el adelanto más que prometedor de su nuevo disco “El Camino” (diciembre, 2011).

DUM DUM GIRLS, “Coming Down” ”Me estoy viniendo abajo” (2011).

Lo nuevo de Dum Dum Girls (“Only In Dreams”, septiembre 2011) siguen siendo canciones de los 60 hechas en el siglo XXI. Más claras y con olor a mar de verano de su California natal; o más oscuras y con olor a muerto tras el fallecimiento de la madre del alma de la banda, Kristen Gundred, alias Dee Dee Penny (nacida en Cincinati en 1983,  residente en Los Ángeles). De lo primero me quedo con canciones fáciles y divertidas como “Bedroom Eyes”, tan denostadas por los puretas alternativos amigos de lo profundo y aburrido; de lo segundo me quedo con canciones que transmiten lo que uno siente ante la desgracia. Entre estas últimas, “Coming Down”, la canción que sin venderse como un diario ni haciendo una bochornosa escena de telebasura, desnuda el drama interior de una mujer joven que sabe que la persona más importante de su vida se aleja inexorablemente. Al fin y al cabo las personas más importantes siempre son las madres.

WHITE LIES, "Farewell to the Fairground" O cómo se consigue una canción redonda (2009).

Quién les iba a decir a los Joy Division que treinta años después seguirían naciendo bandas que intentarían plasmar su idea musical. Y que basándose en ese modelo de  letras oscuras, tonos bajos, sonido épico, ritmo soterrado pero protagonista de bajo-batería, riff cortos de guitarra y envoltorio de sintetizadores y teclados inventarían ellos sólos prácticamente lo que es un género musical, el llamado post-punk. Interpol, Editors, The National… y desde hace dos años, White Lies. No inventaron nada, ni copiaron tan bien como otros, su estilo para muchos gafapastas era “más de lo mismo”, pero consiguieron en ese disco debut “To Lose My Life” (2009) que muy a su pesar gafapasteros, deboradores de música comercial, góticos, rockeros de todas las familias, poperos con ganas de un poco más, chavales y veteranos del Vietnam, blogueros aficionados y críticos musicales serios… coincidieran en disfrutar como sólo los pecadores disfrutan de varios temas. Como este “Farewell to the Fairground” lo cual significa conseguir la canción redonda.

LENDAKARIS MUERTOS, "Soy un veterano de la kale borroka" ¿Qué música poner para el fin de ETA? (2005)

Hace una semana volvió a ser un día histórico. Cuando me aburra de escribir aquí seguro que alguna vez vuelvo a leer esto, porque hace referencia a algo grande. ETA anunció el “cese definitivo de su actividad armada”. Ya era hora. Por fin. Repito (otra vez) que este no es un blog político ni de noticias pero que la música abarca toda la realidad. Y quiero ponerle música a este fin de la violencia etarra. Los análisis estrictamente políticos o las sensaciones que me provocan ese anuncio durante esta semana sobran aquí. Pero la música no. Había pensado en la ya rayada “Viva la Vida”, la única canción que me ha gustado de Coldplay. Sólo por el subidón y por su título. Después, acordándome de tanta gente que ha sufrido innecesaria e injustamente, me salían canciones de otro siglo como el “Hallelujha” de Leonard Cohen… quizá por el Premio Príncipe de Asturias y su sentido espiritual. Realmente ha sido una noticia histórica que al final no asociaré a ninguna banda sonora que mi mente haya producido de forma natural. Así que busqué una canción contra ETA porque a estas alturas de la historia no soy de los que les voy a dar las gracias por apearse del caballo a los últimos talibanes… Y no encontré.

FUNDACIÓN ROBO, “Cómo hacer crac” ”Han desarticulado a la cúpula de la CEOE” (2011).

El sábado pasado sucedió algo histórico. Lo dices así y pocos sabrían qué contestar. Sin embargo, sucedió, y el tiempo dirá si es el nacimiento de una gran ola que se lleve toda la suciedad o sólo un brindis al sol. En cualquier caso me encantan los brindis, y si hay sol, mejor, así que habrá merecido la pena salir a la calle en cualquier caso. El sábado pasado por primera vez en casi mil ciudades de todo el mundo se manifestaron (nos manifestamos) personas para protestar contra lo que se conoce como “el sistema”. Unos porque piden la renovación del sistema, otros porque piden el fin del propio sistema, todos en cualquier caso unidos desde San Francisco a Tokio, protestando contra el modo en que la clase política está (no)solucionando la crisis, y la pérdida de derecho de las personas frente a los privilegios que se dan a los “mercados”. En Cuba por cierto nadie salió a la calle, que por lo visto allí el “sistema” funciona bien y nadie se indigna con él. Hay que estar muy sordo en estos tiempos para no oír un gran crack. Todo está haciendo crack, y hay quien lo canta.

JACK WHITE, "Love is Blindness" Disco homenaje al "Achtung Baby", veinte años después (2011).

Pues eso, hace poco se cumplían veinte años de la edición del mítico “Nevermind” de Nirvana y ahora se cumplirán los del no menos mítico “Achtung Baby” de U2. Apenas era un adolescente y pensaba que ya había pasado todo, que a los de mi generación no nos pasaba nada, que ya estaba todo inventado y que mi vida sería una triste nostalgia de algo que nunca viviría, escuchando siempre a los monstruos del rock, ninguno de los cuales nacía y explotaba con nosotros. “Vaya mierda de generación”, pensaba, “que sólo podemos escuchar a los viejos y verlos en un escenario cuando ya están de capa caída”. Y eso, si no habían muerto… Sólo muy recientemente empiezo a pensar que en parte estaba equivocado. No sé de dónde grabé en casette el disco de Nirvana, y mi amigo Chili me regaló el “Achtung Baby” en vinilo, porque decía que U2 ya no eran los de antes… Sólo muy recientemente me doy cuenta que no ha habido otro otoño-invierno en mi vida con dos discos así.

LANA DEL REY, "Video Games" Cada uno disfruta y sufre como quiere (2011).

¿Misteriosa, inteligente, nueva musa del indie, aire sin olor ni sabor, voz original o pestiño retro? Lana del Rey (Nueva York, 1987) parece un producto de marketing. Quizá no de una multinacional, pero un producto que se ha sabido vender en cualquier caso. Una mujer llamada en realidad Lizzy Grant, que fracasó en 2009 con su disco debut, que se cambia el nombre y juega al despiste haciendo creer que es una cantante novel. Cuelga dos vídeos autoeditados por sí misma en Internet y ya tiene a mucha gente esperando su disco y su gira de principios del 2012. Con dos canciones tan sólo como Lana del Rey ya ha conseguido que la contraten en lugares donde a otros les cuesta sangre, sudor y lágrimas llegar. Hoy en día, parece que si consigues seducir en la red es mucho más efectivo que si sabes tratar con cariño en su despacho a ese jefazo de la multinacional de turno.

LOQUILLO Y LOS TROGLODITAS, “Cuando fuimos los mejores” De cuando hacía buenas canciones (2000).

Loquillo… Depende del día me parece una auténtica estrella, aún deslumbrante, de la historia del rock español; un ya viejo rockero que reparte dosis de actitud y va más allá en algo (que quizá deba llamarse épica) de lo que podría cualquier grupo nuevo español de esta década; o me parece un personaje decadente que se pasea por platós de televisión y plazas de pueblo cantando a los cuatro vientos de un modo resentido y autocomplaciente que “he sido el más grande y eso les jode a muchos”; alguien que con cada disco nuevo que hace, demuestra que está más acabado. Esta semana Loquillo (sin Los Trogloditas) ha sacado disco nuevo (“Su nombre era el de todas las mujeres”), musicando diez poemas de Luis Alberto de Cuenca. Y esta semana pienso que a sus 50 años, Loquillo, el mítico Loquillo, me aburre.

PORTUGAL. THE MAN, “So American” Entre Bowie y Supertramp (2011).

No los conocía y me siento como cuando un descubridor llega a un paradisíaco y despoblado lugar con cascada incluída. Portugal. The Man es el nombrecito (joder con los nombrecitos de bandas indies) de esta banda originaria de Alaska y asentada actualmente en Portland. Y su disco “In the Mountain. In the Cloud” (julio, 2011) es ya para mí uno de mis favoritos de este año. Lo bueno es que tengo todo un mundo por descubrir, porque desde el 2006 han sacado ya siete Lps. Un mundo lleno de canciones pop, rock psicodélico, progresivo… en fin, creo poco en etiquetas y las pongo sin demasiada convicción. Pero sí que creo en las sensaciones que provoca la música, y este “So American”, como muchas otras, recuerda a un cóctel de Bowie y Supertramp. Toma ya.

HONG KONG BLOOD OPERA, “Killing Joke” Rabia mexicana (2007).

La música no creo que haga progresar a un país. Tampoco creo que una canción o un disco puedan tener en su seno una carga ideológica de tal calibre que influya transformando la sociedad, como lo pudieron hacer El Contrato Social o El Capital. Creo que con la que está cayendo una canción  no va a solucionar nada. Ni aquí en España, ni en Etiopía ni en México. Pero como decían los Héroes del Silencio con su típico tono épico… “si no hay paraíso, ¿dónde revientas?”. Vamos, que la música no cambiará nada, pero es una válvula de escape (no necesariamente una evasión); como cuando a la olla a presión le puedes soltar vapor de agua para que no explote; es un aglutinador de voluntades; es a menudo más que un reflexivo discurso, un escupitajo, un dardo, una piedra, un dedo apuntando y señalando, una V de victoria… Este “Killing Joke” sería más bien un grito de rabia y espasmos.

CLAP YOUR HANDS SAY YEAH, “The Skin Of My Yellow Country Teeth” Los orígenes de CYHSY, ahora que están de vuelta (2005).

Hace tiempo que las estrellas del rock han dejado de hacer de todo por parecer diferentes. El vestir diferente y hacer excentricidades tenía un sentido mucho más grave y profundo de lo que mucha gente se cree. Estaban rompiendo tabúes y estaban mostrando su identidad completamente opuesta a los cánones establecidos. Hoy no tiene sentido. Hoy menos que nunca el hábito no hace al monje y de hecho lo más socialmente aceptable y promocionado por multinacionales encima de un escenario son auténticos guiñapos en los que hacer el gilipollas es un mero espectáculo friki que no ofende a nadie, no cambia nada y no tiene otra función que hacer de titiriteros de la masa. Estoy hablando de Lady Kaka, por ejemplo. Clap Your Hands Say Yeah demuestran que para llamar la atención no hace falta hacer el gilipollas, sino en pleno siglo XXI hacer música verdaderamente original que siga gustando a los que crecimos con lo que heredamos de los viejos monstruos del rock.

STARS, “Personal” Sobre las víctimas invisibles (2007).

La vida puede ser cruel. Eso lo sabemos todos. Pero la crueldad más allá de los muertos de desnutrición y violencia no sale en la tele. Es una crueldad oculta, porque da vergüenza mostrarla a la víctima, y porque no interesa a casi nadie conocerla. Las víctimas de la soledad y la falta de cariño son invisibles. Esta canción los hace visibles.

Un anuncio por palabras. En él un hombre busca soltera, menor de 33 años, que disfrute del sol y del mar. Hay alguien que responde… con el miedo y la inseguridad que da el ser honesto. Y avisa; “estoy gorda”… Esa respuesta a ese anuncio por palabras puede ser el principio de algo que para el resto de la humanidad es insignificante y rutinario, pero que para dos personas puede ser grandioso en el sentido histórico de la palabra. Porque encontrar a alguien con quien sentirte capaz de salir volando por la ventana y no matarte es histórico en la pequeña vida de cada uno. Eso es el principio de “Personal”, un tema sorprendentemente especial.

BLACK WIRE, “Hard to Love Easy to Lay” “Bienvenida de nuevo con las piernas abiertas para…” (2005)

Así es como comienza el tema más conocido de los desaparecidos y casi olvidados Black Wire (Alambre Negro), con ese incendiario “Bienvenida de nuevo con las piernas abiertas para…”. Canción de estribillo fácil y riffs electrizantes que es una ensaltación del vicio, del placer por el placer, la promiscuidad… el recurente e histórico tema rockero del desmadre dionisiaco. Cantarlo en los años 60, en plena revolución sexual, hay que reconocer que tendría más mérito, pero tampoco está de más que alguien recuerde de vez en cuando que pecar más que inmoral es excitante. Si lo acompañamos de un vídeo más que censurado en el que los valores del hedonismo más banal y la irreverencia simbólica y estética casi se salen de la pantalla, obtenemos un hit instantáneo.

REM, “Imitation of Life” Gracias por todo.

REM ha anunciado hoy en su página web que lo dejan. Y uno que llevaba meses, quizá años, sin escuchar un disco de la banda, ha tenido la necesidad de volver al “Losing My Religion”, “Every Hurts”, “What´s the Frequency Kenneth?”… Uno desea lo que no tiene, uno valora lo que pierde. Pensaba que REM había dado ya todo lo mejor que podía haber dado, que fue mucho, pero que siempre estarían ahí. Y que quizá un día aún sorprendieran con algo. Incluso que antes de que fueran demasiado viejos tendría oportunidad de verlos actuar en directo. Pero no. No se ha muerto nadie pero lo dejan que es un modo de morirse.

BLACK LIPS, "Family Tree" Desagradables, escatológicos, gamberros...¿y qué? (2011).

En directo son de los más gamberros, escandalosos, escatológicos de la escena independiente. Lucen en sus actuaciones gloriosamente salvajes un sonido no precisamente virtuoso con gallos y errores. Tampoco creo que les importe demasiado. Reivindican la esencia de tiempos pasados en que se subían al escenario jóvenes que habían comprado guitarras de 50 dólares y habían aprendido de la calle y en la calle a tocar unos acordes. Reivindican un pasado en el que jóvenes que no fueron a la universidad y que socialmente lindaban entre la clase media y la nada, cantaban lo que les salía; desde sus héroes del cómic hasta su frustración por no saber ni qué hacer para aspirar a ser felices. Estoy hablando de todas las generaciones pasadas desde los garageros de finales de los 60 hasta los punks del 77. Joder, la verdad es que es difícil encontrar una banda que me guste que no reivindique algo del pasado.

TRENTEMØLLER, “Silver Surfer, Ghost Rider Go!!!” Cuando se ofrece más que música en directo (2010).

Hace veinte años música electrónica para mí era equivalente a bakalao. Es decir, los que por rubor no nos llamábamos aún a nosotros mismos rockeros pero saltábamos con Nirvana veíamos en la música electrónica una cosa graciosa y pedadiza en los primeros años 80 (como banda sonora original de la Vuelta a España, por ejemplo), y algo abyecto en los primeros 90; era la anti-música, era la anti-fiesta, representaba a las personas, locales y drogas que no nos interesaban. Pasó el tiempo y el rock y la electrónica se dieron la mano definitivamente. Es muy común que cualquier banda rock actual que actúe en directo no lleve sintetizadores y parte de música enlatada, y es común que melodías e instrumentos rock sean utilizados por los Dj. De la ausencia de complejos se obtienen muchas satisfacciones. Hoy en día sigue sin gustarme la música electrónica, un mundo del que no conozco demasiado y que no me interesa especialmente, pero desde luego tengo las orejas abiertas. Y hay que reconocer que este tema de Anders Trentemøller (Copenhague, Dinamarca, 1974) es muy especial.

GREG PRESTON & THE GREAT MACHINE, “Leave The Light On” Descarga de adrenalina (2011).

Greg Preston and The Great Machine son unos auténticos desconocidos para mí. Por casualidad recientemente hice click a un enlace y aluciné con su rock crudo. Después de escuchar unas cuantas veces su único EP de debut titulado “Hate To Love The City” (julio, 2011) descubrí que son otra nueva banda desconocida de garage que probablemente sigan siendo desconocidos sean tan buenos como parecen o sean flor de un día. Al menos Internet es un aliado para ellos y una suerte para los que a veces hacemos click en el enlace adecuado. Apenas 500 copias de su EP a la venta por 5 dólares… que también se puede escuchar online y descargarse gratis. Son de Hamilton (Canadá) y detrás del ampuloso nombre se esconde un trío liderado por el vocalista y guitarrista Greg Preston. Un trío que se desgañita, que tiene un ritmo frenético, divertido y musicalmente salvaje con pinta de universitarios brillantes que reinterpreta lo mejor de una época que no viví y que sin embargo echo de menos.

THE WHITE STRIPES, “Seven Nation Army” Más que un clásico, un himno (2003).

Probablemente sea una de las mejores canciones de lo que vamos de siglo. En multitud de listas desde el blog más humilde hasta las revistas más renombradas, es considerada así. Trasciende lo que es la música alternativa y se ha convertido en una canción-emblema, más aún desde este año en el que The White Stripes ha anunciado definitivamente su disolución. Quizá el mejor riff de guitarra de lo que llevamos del siglo XXI. La canción que encumbró a uno de los grupos más brillantes y con más influencia de la última década. Cualquier espacio que exponga la música del siglo XXI tiene que tener un sitio de honor tanto para The White Stripes como para “Seven Nation Army”.

GIRLS, “Vomit” Todo enamorado es un merodeador (2011).

Cuando era adolescente no se escuchaba más música porque no teníamos acceso a lo que nos gustaba. Hoy no se escucha más música porque tienes acceso a toda ella. Y lo que no cuesta conseguirlo, no se valora. Ser amigo del todo el mundo significa en el fondo que no tienes tus amigos. Y tener toooda la música a tu alcance en la red significa que no tienes la capacidad de sentarte a escuchar realmente algo que en los primeros diez segundos no te engancha; significa que tienes tanta música que no sabes ni por dónde empezar. Y empiezas por lo fácil, perdiéndote lo que exige paciencia y un poco de atención. Es una época difícil donde se persigue el “hit” rápido. “Vomit” ("Vómito") no es fácil. Es una canción que muchos se perderán por escuchar sus primeros lánguidos acordes y desear algo rápidamente digerible. Ellos se lo pierden

LA HABITACIÓN ROJA, "Van a por nosotros" Una canción para lo que está sucediendo (Capítulo XXXII; cambiamos la constitución) (2005)

Ya dije en alguna ocasión de que este no es un blog político. Pero tampoco da la espalda al mundo, y en el Manifiesto de Gabba Gabba Hey! dice que una canción no es sólo una canción. Y hay canciones que salen a la superficie cuando algo sucede. El ajusticiamiento de Bin Laden tenía como BSO a Spindrift; la crisis a Disco Las Palmeras! o The Little Flames aunque intuyo que va a haber mucho más; las elecciones municipales y el 15-M me recordaron a Veronica Falls… Seguramente nada me ha movido tanto las entrañas desde que en mayo echó a andar esto como la reforma de la constitución española; un acto concreto, otro más, de rendición de la política a la economía, de traición a la ciudadanía, a la que no se ha informado y no se la deja participar en la toma de decisiones trascendentes para su futuro y el de sus hijos. No es lugar este para vomitar el desprecio que me produce la crisis, su origen, consecuencias y la incapacidad de dirigentes españoles y mundiales para solucionarla en vez de profundizarla. Pero este sí es lugar para canciones del siglo XXI, y la primera reforma seria de la constitución española desde 1978, tiene banda sonora.

OBITS, “You Gotta Lose” Dando lecciones de rock a los nuevos (2011)

Obits es la banda neoyorkina de uno de los mejores músicos de los últimos veinte años, y ese no es otro que Rick Froberg (Los Ángeles, 1968). Creó bandas en los noventa como Drive Like Jehu y en la década del 2000 como Hot Snakes, bandas poco conocidas pero pura energía rock con recuerdos de todo el legado underground de las décadas doradas del rock. Me da un poco de vergüenza decir cosas como esas de que Rick Froberg es uno de los mejores músicos de las dos últimas décadas, temo pecar de snob valorando de ese modo a quien es tan poco conocido por el gran público. Pero, es lo que hay, cualquier amante del rock que se quite de prejuicios, que no mire en qué festivales han tocado, cuántos discos han vendido, y simplemente escuche intentando disfrutar, puede llegar a la conclusión que he llegado yo y gran parte de la crítica que no depende de multinacionales.

SONIDO ALFREDO, ARIZONA BABY, ”The Model” Treinta años después, renovando un tema clásico de los 80 (2011).

Han coincidido casi en el tiempo dos versiones de la misma canción. Se trata de la mítica The Model del grupo alemán Kraftwerk, pionero de música electrónica. En 1981, llegaron al número 1 en Reino Unido con un tema pegadizo, tremendamente “moderno” para la época. Uno de los temas con que crecimos en los años 80 de ese pop electrónico o como se quiera llamar, que sin darte cuenta de niño tarareabas horas y horas, con grupos tan dignos como OMD y Depeche Mode. Que los años ochenta vuelven está claro hace tiempo, pero que esa tendencia me arrastre también a mí… pues jamás lo hubiera pensado. El otro día hasta me fijé que tengo un Blas (de Epi y Blas) en el maletero de mi coche disfrazado de los colores de mi equipo… Y que de repente todos los niños tienen la serpiente articulada de Rubik… Bien, pues hacía años que no escuchaba The Model y de repente dos grupos españoles la versionan y actualizan cada uno en su estilo. Y claro… el soniquete le llevo de nuevo en la cabeza, muy a gusto, eso sí, pasadas las décadas.

YEAH YEAH YEAHS, "Maps" "Ellos no te quieren como yo te quiero" (2003)

Hay frases sencillas que lo dicen todo. No hace falta recargar nada cuando alguien te dije que se alegra de verte sin sentir vergüenza por ello. No hace falta decir más cuando alguien te dice que te ha echado de menos. O cuando mirando a los ojos dices a alguien simple y llanamente “gracias”. Si hablamos de sentir, no hace revestirlo de mil palabras bonitas, metáforas y pedanteces varias. Con pocas palabras se puede llegar muy adentro. Puede sonar infantil, puede sonar demasiado sencillo, pero cuando alguien dice “espera… ellos no te quieren como yo te quiero”, y lo dice como lo canta Karen O (Corea del Sur, 1978), suena auténtico y conmueve. Eso es básicamente “Maps”, el primer éxito del grupo neoyorkino Yeah Yeah Yeahs. Una canción que para mí es ya un clásico del siglo XXI, y una de las llamadas de amor más sinceras que he oído nunca.

HOCKEY, “Wanna Be Black” La gran promesa del 2009 (2009)

Hockey es una banda estadounidense de Los Ángeles aunque actualmente residen en Portland. Es un ejemplo de lo que pudo haber sido y quién sabe si aún lo puede ser. Prácticamente antes de publicar su primer disco (“Mind Chaos”, 2009) la lluvia de críticas positivas los aupó a la posición de ser la bomba de finales de la década. Pocas veces se dijeron cosas tan rimbombantes de una banda. En cierta manera me recuerdan los hagalos recibidos por The Vaccines este año, aunque quizá los ingleses se los merecen más. “No te los pierdas ahora mientras aún tocan en salas pequeñas” (Time Out New York); “Acostúmbrate a esta banda, tienen para rato” (NME); “El grupo que proporcionará la banda sonora para el 2009” (Arena Magazine); “Estos desaliñados veganos que se mueven en bicicleta podrían fácilmente gustar a los fans de Dylan, Springsteen y de Hold Steady tanto como podrían hacer las delicias de los devotos de LCD Soundsystem” (The Guardian).

TXARRENA, “Azulejo Frío” El Drogas nos recuerda con qué crecimos (2011)

Si no sabes de dónde vienes no sabes a dónde vas. No sé quién lo dijo, pero lo siento así. Si borras todo lo que has sido y sólo te importa el presente, no sabes quién eres. Yo soy de una generación que huyó como de la peste de modas; primero el pop insulso de finales de los años 80, luego el bakalao... Cuando tenías 15 años si no sonaba una guitarra eléctrica, torcías el morro. Si además de sonar esa guitarra cantaban en castellano parte de tus frustraciones y fantasías mitómanas de la noche, pues mejor. Hoy tengo la suerte de apreciar muchas más cosas, pero hay que volver la vista atrás. No sólo por filosofía, sino por simple vicio. Txarrena es volver a esos sonidos, a esas guitarras, a esas letras, a esos mitos de la noche, a la actitud, a los personajes de la historia del rock en España, a la patria en que creciste, que tiene poco de banderas y mucho de sensaciones compartidas con muchos compatriotas del rock de los Extremoduro, Platero y Tú, Rosendo, Barricada…

GOSSIP, "Heavy Cross" Inevitablemente te mueve (2009)

A veces se nos olvida que el rock and roll no fue hecho para los que, como yo, éramos cobardes de barra de bar y nos sentíamos (y sentimos) a gusto en garitos donde se puede y debe hacer de todo, menos bailar. Donde suene lo que suene hay un contrato no escrito que dice que en ese local se pude cantar, caerse, tirar la copa… pero que nadie bailará y por lo tanto no te sentirás estúpido yendo hacia la barra cual toro que se arrima a tablas. Pero ya en su momento Elvis demostró que el rock era una música que expresaba cosas que se podían reflejar a través de los movimientos del cuerpo. Una forma de comunicación, de expresión, también de liberación. El dance-rock, o el rock electrónico, o el rock con sintetizadores o como se quiera llamar lo que hace Gossip, cincuenta años depués, al fin y al cabo sólo perpetúa de otro modo lo que comenzaron los pioneros.

BEATSTEAKS, "Milk & Honey" Para subir el ánimo (2011)

Hay días y días. Y momentos, estados de ánimos, prioridades y puntos de vista diferentes acerca de la misma cosa según pasa el tiempo. Mirando cómo los barrios humildes de Londres, Liverpool o Manchester se levantan contra sus vecinos y les roban. Cómo se mean en la sociedad a la que no se han sabido adaptar o la cual no ha sabido aceptarlos. Ver la falta de lemas moralmente asumibles. La falta de inteligencia. La falta de corazón. La falta de estética de un supuesto marginado social que sale muy contento de una tienda en llamas con su X-Box en la mano… Eso produce tanta decepción por el mundo que vivimos como la prima de riesgo o los datos del paro. Por eso huyo de la banda sonora de estos días de canciones cojonudas pero profundamente oscuras u trágicas. Por eso Beatsteaks acuden a recordarnos que las canciones sirven, entre otras cosas, para, de forma completamente irracional, cambiar estados de ánimo.

KAREN ELSON, "The Truth is in the Dirt" "La verdad está en la suciedad" (2010).

Karen Elson (Olham, Manchester, Reino Unido, 1979) pasó de supermodelo a cantante. Portada en Vogue con 17 años, anoréxica, juguete de los sádicos de la moda… o lo que es lo mismo, carne de cañón del circo de la mentira. Que todos mentimos pero la farándula de los flashes lo hace a manos llenas aunque lo cubra de glamour. Y sin embargo, Karen parece que sabe de la verdad. Podía haberse dejado engañar, al fin y al cabo ganó mucho dinero, esa poderosa mentira que hace que lo malo parezca bueno y que lo absurdo tenga sentido. Quiso ser cantante, y lo logró. Y pocos saben que antes de grabar su hasta el momento único disco (“The Ghost Who Walks”, 2010), colaboró con Robert Plant o cofundó The Citizens Band, quienes versionaban temas de la Velvet Underground al estilo cabaretero. Así que, hablando de verdades y de mentiras, es mentira que Karen Elson es otra modelo más que se da el capricho de cantar ni tan siquiera que su marido Jack White (White Stripes) la haya enchufado. Lo que sí que es verdad es que el mundo está lleno de envidia. De la mala.

EDITORS, "Racing Rats" La vida como una carrera de ratas (2007).

La vida como una carrera de ratas. Esa es la idea de los Editors, quizá el grupo, junto con Interpol, que mejor encarna el llamado post-punk del siglo XXI, heredero de aquel de los primeros ochenta de Joy División y el espíritu atormentado de Ian Curtis. La vida como una carrera de ratas. No fue la canción del verano. Con ese título y esa propuesta más bien parece la banda sonora de alguien que se va a morir y prefiere ver el lado oscuro de la vida para que no cueste tanto decir adiós. Editors contempla la música de un modo ambicioso, optando por intentar que canciones den una visión del mundo, de la vida, cuasi-filosófico. Y su visión no es del todo optimista, desde luego, por mucho que las guitarras animen el negro discurso.

WOLFMOTHER, “Woman” A veces hacen de Led Zeppelin mejor que Led Zeppelin (2005).

El rock del siglo XXI para mí tiene tres características; que no tiene la trascendencia e influencia de antes; que sin embargo está plagado de numerosísimos grupos de buena calidad; y que no hace nada realmente nuevo, sino que reinterpreta y mezcla influencias. Bien, pues Wolfmother representa en ese sentido para mí las tres cosas, salvo en lo último. Wolfmother no es que reinterprete, es que copian el estilo de Led Zeppelin de un modo que hace que disfrutes de ellos como si se hubieran descubierto canciones guardadas de los de Robert Plant y Jimmy Page, y de las mejores. Es como un resucitar del hard rock de los 70 treinta años después.

ANTONIA FONT, "Calgary 88" Pura melancolía (2011)

Hay canciones que desde los primeros acordes sabes que te son extranjeras. Que no pertenecen a tu patria de sonidos identificables. Que sabes que musicalmente son otro idioma, que no las entiendes. En mi caso, mi patria es amplia y se ensancha cada vez más. Como la propia música, que al fin y al cabo va camino de una sola patria en la que se fusiona prácticamente todo. Pero a veces pasan cosas extrañas, y sabiendo que una canción te es ajena, si abandonas los prejuicios, puede llegarte dentro. Incluso si cuando comienza el vocalista a cantar y descubres que lo hace en catalán y no estás para nada acostumbrado a escuchar música en ese idioma… sigue llegándote. “Calgary 88” es uno de esos temas, del grupo mallorquín Antònia Font. La escuché por casualidad hace poco tiempo y consiguió llevarme precisamente a ese año, 1988.

THE SUBWAYS, "It´s a Party" Sólo diversión... ¿Sólo? (2011)

En un festival recientemente estaba viendo a Ting Tings en directo (mucha marcha, buen espectáculo escénico) e hice el comentario con el morro torcido que si los gurús de la noche quieren hacer bailar a la peña a las seis de la mañana, que es cuando peor música se puede escuchar, podían pinchar los temas más eléctricos de gente como Tin Tings. A un amigo le salió su altura de miras espiritualmente solidaria y me respondió que había cosas peores… como el hambre en el mundo… Hay a veces a quien se le olvida que la música, entre decenas de cosas, es, básicamente, una fiesta. Y no hay que minusvalorarlo y creer que eso es superficialidad barata. Porque yo, mirando a la gente que pasa, sólo veo caras de preocupación. Tristes, amargados, calculando tiempos, deseando estar haciendo otra cosa diferente a la que hacen.
 

THE LOVE ME NOTS, "Demons" Batido de los Sonic, Ramones y Led Zeppelin (2011)

Si algo bueno tiene la música del siglo XXI es que salen buenos grupos de debajo de las piedras. Y además están al alcance de la mano. Hay quien piensa que la música ha muerto, porque no nacerán ya canciones como en décadas precedentes. Quizá tengan razón, porque el momento en que se crearon esas canciones y lo que supusieron artísticamente y vitalmente para esas generaciones sobrepasa con creces a lo que pueda suponer un gran tema del siglo XXI. No son buenos tiempos para la lírica. Pero ello creo que injustamente nos impide disfrutar como niños pequeños de los cientos de bandas por todo el mundo que, basándose en los clásicos, los reinterpretan y hacen música que pone los pelos como escarpias. La banda estadounidense The Love Me Nots es una de esas grandísimas bandas injustamente tratadas.