THE WHIP, “Trash” Hay que distinguir entre la buena y la mala basura (2006).

Whip vendría a significar “látigo”, y es un nombre adecuado para quien  tiene el poder de mover a cualquiera, sea cual sea su cultural musical. Los zombies de la noche de los garitos más cutres de la ciudad se contonean con lo que les echen en el vaso y en los oídos. Son zombies de locales de garrafón etílico y garrafón musical donde además de envenenar el cuerpo te envenenan el alma con ritmos que van desde el seudoregaeton a la tristemente mítica y trasnochada “Ritmo de la noche”, pasando por algo de rumba cutre y en general “algo” electrónico puesto muy alto y punto. El caso es estar a resguardo del frío de la madrugada para unos, el caso es estar en el ajo, el caso para otros es que ellas están ahí, el caso es no llegar a casa. Pero es una tortura que incluso si vas drogado puede provocarte más que feliz indiferencia un mal viaje de mucho cuidado. Los caballos percherones que nos arrimamos a la barra como torero al burladero cuando de bailar se ha tratado, necesitamos un buen látigo que nos arree para sentirnos realmente bien a las cinco de la mañana entre los zombies; un latigazo de The Whip como “Trash”.

SHARON VAN ETTEN, “Serpents” ”Pensé que me ibas a tomar en serio” (2011).

Es el momento de los buenos propósitos. Uno que debería ser de obligado cumplimiento es el de no hacer el gilipollas por quien no merezca la pena; dejar atrás a la persona en cuestión o llevar una ristra de ajos contra los posibles vampiros que acechen en el camino; seguir adelante arreglando lo roto que quede dentro; escapar, sobre todo escapar; aprender, sobre todo aprender. Es un buen deseo para las uvas de nochevieja y si en tiempos de crisis los Reyes Magos se estiran un poco y regalan una tonelada de fuerza… todo será más fácil. Pero el primer paso es reconocerlo…como en las reuniones de Alcohólicos Anónimos. Yo, Sharon Van Etten, hago el gilipollas por alguien que me hace sufrir. Es un tema universal, pero pocas canciones como “Serpents” transmiten ese miedo, mala baba y reproches de quien decide bajar del altar al falso dios; “disfrutas chupando mis sueños, así que me acostaré con alguien que no seas tú”.

LORDS OF ALTAMONT, “Ain´t It Fun” Versionando el himno de los Dead Boys (2011).

Este sitio será del siglo XXI pero la música de ahora es hija mestiza de las últimas décadas del siglo XX y yo mismo soy hijo físico deseado de ese siglo. Podré escuchar lo de hoy, es “nuevo”, es el momento que vivimos, es nuestro mundo… pero quién no siente que de algún modo estuvo en la Caverna con los Beatles; en Woodstock o la isla de Wight; en el San Francisco de flores en el pelo; en New Haven cuando Jimbo fue detenido en el escenario; en el Detroit de la Motown o en las calles del Londres del 77. Son lugares comunes y son refugios. Especialmente esos rincones de Manhattan a mediados de los 70 tan cercanos ya  la vez tan lejanos de Wall Street. Allí donde convivían el paro juvenil, la delincuencia, el bajón de la heroína y la resaca de los años 60, los tirados anónimos y los genios como Dylan, Cohen, Kubrick, Arthur Miller a las puertas del Hotel Chelsea, el Greenwich Village, el Lower East Side. Una imagen romántica, decadente, pero dura. El Nueva York dormido y aburrido que estaba explotando. Los Dead Boys llegaron a la Gran Manzana llamados por los Ramones, los inadaptados sociales, los creadores de ese sonido acelerado y casi provocador llamado “punk” que hacía juego casi con lo desagradable del momento. Dead Boys harían uno de los himnos históricos de la desesperación de esa generación, la primera a la que le habían prometido todo y que no tenía nada. Por el camino se llevaron la gloria de ese tema los Guns & Roses, con una versión-copia (perdón, no me gustan los G&R ni de coña). Treinta años después “Ain´t It Fun” es más real que en los 90. Y The Lords of Almont es sólo una excusa.

WHITE LUNG, “Take the Mirror” Quedan punks aunque no huelan mal (2012).

Influye en este post que el Papa ha dicho hoy que en el portal de Belén no había burra ni buey. Sin comentarios. También influye la exposición de Dalí en el Pompidou, que ha salido mucho en la tele. No  es surrealismo esto. Pero “punk” cuando comenzó a usarse despectivamente respecto a lo que hacían los Ramones, significaba “desagradable”. Esto es si es punk, pero sin faltas de ortografía.

“Take the Mirror” es esencialmente lo siguiente;

a.-) La sensación que tienes el día que  ves colmillos en la boca de la gente que dice que te quiere.

b.-) Viagra para poperos enfadados.

THE VACCINES, “Aftershave Ocean”, A veces hay mugre debajo de la alfombra” (2012).

The Vaccines - Aftershave Ocean by Fon Dylan

Este post casi es por obligación. Para mí el primer disco de The Vaccines fue lo mejor del 2011, y no han hecho esperar demasiado para su segundo trabajo, “Come on Age” (septiembre, 2012). Desde septiembre hasta aquí, el disco de los nuevos niños mimados (y con razón esta vez) de la escena independiente británica, ha generado distintas sensaciones; desde decepción por no encontrar esa inmediatez arrolladora de algunos temas de su primer disco, a la sensación de que han madurado y mejorado pagando el precio de ser menos divertidos pero más profundos. Por el camino, las posturas intermedias que valoran el hecho de no querer sonar eternamente como Wreeckin´Bar, la primera canción que los catapultó sin ni siquiera haber debutado discográficamente. Son perfectamente reconocibles en “Come on Age”, pero sí que han cambiado. No en vano, el título del disco significa algo así como la transición entre la infancia y la vida adulta. The Vaccines nunca dijeron tonterías en sus letras pero eran felizmente fáciles. Ahora se han complicado. Antes eran música de viernes tarde-noche. Ahora no lo sé…quizá para el sábado por la tarde. Eso sí, sólo si es un gran sábado.

METRIC, “Help, I´m Alive” Sentir es peligroso (2009).

“Tiemblo. Van a comerme viva. Si tropiezo, van a comerme viva”. El principio de “Help, I´m Alive” ya es una declaración de intenciones, un desnudarse por dentro para mostrar el miedo. Dicen que para curarse lo primero es reconocerlo. Quizás reconocer que estás muerto de miedo es mejor que disimularlo. Lo cierto es que esta canción sorprende no sólo por su mezcla de estilos rock, electrónica, new wave… o por su melodía pegadiza. Sorprende más porque su letra toca una verdad universal; sentir es necesario, pero a la vez peligroso. Emily Haines (nacida en Nueva Deli en 1978 y criada en Canadá), líder de Metric, escribió esta canción después de años de sequía, cuando la banda comenzaba a decaer tras el relativo éxito que tuvo en sus inicios. Eso sucedió en Buenos Aires, y como tantas otras veces en la historia del arte, fue fruto de una situación personal desesperada; “Mi vida era una mierda. Estaba asustada y no sabía qué hacer. No quería volver a escribir sobre lo complejas que son las cosas. Esta vez necesitaba hacer algo mucho más simple y genuino“. El resultado fue un grito de socorro; “ayuda, estoy viva”.

THE KILLERS, “Miss Atomic Bomb” ”Vas a echarme de menos cuando me haya ido” (2012)

Lo último de The Killers  quizá era el disco más esperado del año, porque  se han convertido a estas alturas en un fenómeno de masas. Cuando gustas a demasiada gente y de gustos diferentes puedes convertirte en el muñeco del pim pam pum al que acusan de hacer “música comercial”, de ser fáciles, evidentes. De no tener esa capacidad innata que tienen los Bon Iver y compañía de hacer disfrutar sólo a una selecta minoría capacitada para encontrar los matices dentro de ese aparente (muy aparente) aburrimiento). Tras cuatro años mudos, el regreso de The Killers ha sido un éxito maduro. Si con “Day & Age” explotaron su lado bailongo, con regusto thecno-pop incluso glam, alejándolo del sonido rockero de sus inicios, en este “Battle Born” (septiembre, 2012) se nota que no sólo yo me hago mayor. Para unos eso significa que esa épica tan típica de los de Las Vegas se ha convertido en tedio. Para otros eso significa que como el vino bueno, el regusto que te dejan en la boca dura más tiempo aunque no entre a la primera.

BIG DEAL, “Seraphine” ”Yo podría durar para siempre en tus brazos sabiendo que nada es para siempre” (2011).

Un diálogo de guitarra eléctrica y otra acústica, y un diálogo vocal entre Alice Costelloe (Londres, 1993) y  Kacey Underwood (California, 1983). Nada más, ni percusión ni bajo. Simple y delicado, minimalismo para expresar la complejidad de las emociones humanas entre la juventud y la madurez. Eso es Big Deal, un dúo que sacó su disco debut “Lights Out” el año pasado y que tiene un origen curioso. A él, profesor de música que buscaba crear un proyecto de banda, una compañera le presentó a su hija, con la intención de que probaran algo juntos. El resultado, ese “Gran Acuerdo” (Big Deal), doce canciones no aptas para estadios, alejadas de la épica, con melodías sencillas, armonía vocal y a la vez cierta sofistificación, que para eso son “indies”. No son simples canciones bonitas simples. Y como muestra, “Seraphine”, un tema que no fue single y que convierte algo aparentemente prosaico como una noche de amor fugaz en algo poético, melancólico, con regusto a tristeza, que es el sabor que queda cuando alguien quiere más de quien no quiere darte más.

JACK WHITE, “Sixteen Saltines” Celos y adolescencia descontrolada en lo nuevo del genio de la guitarra (2012).

Tras morir definitivamente The White Stripes el año pasado, el alma de ese dueto que ya es parte de la historia de la música, ha comenzado su carrera en solitario. Jack White (Detroit, 1975) es un genio loco que además de crear esa banda que revitalizó como nadie el garage rock, lo mismo colabora con otros, que crea bandas alternativas como The Raconteurs o The Dead Weather o versiona lo que haya que versionar. Esta semana sale a la luz su primer disco en solitario (“Blunderbuss”) y parece que supone la continuación estilística de The White Stripes, lo cual es una gran noticia. “Sixteen Saltines” es un adelanto de lo que será el disco, siguiendo con esa voz ácida, esas letras intensas, y sobre todo esa mezcla de garage y blues rock que sale de los riffs inconfundibles del genio.

THE LITTLE FLAMES, "Seven Days"El mono de los siete días (2007).

“Seven Days” es otra canción de esa desconocida banda británica de unos casi chavales que podían haber sido muy grandes y se separaron apenas salió su disco a la luz, The Little Flames, de los cuales su himno de guerra “Put Your Dukes Up, John”, casi estrenaba este blog. Su único disco (“The Day is not Today”, 2007)  me parece uno de los mejores de la pasada década y su música tiene una virtud extraña; entra rápido y sin embargo en vez de gastarse pero crece con el tiempo. En la música, la comida… pero también en las relaciones personales… lo que entra como un huracán suele diluirse pronto. Es como el famoso primer trago de la Coca-Cola, muy rico… y el último… muy empalagoso. En “Seven Days” de nuevo sorprenden con una canción de estribillo fácil y melodía simple que gusta desde el principio que sin embargo guarda detrás una instrumentación diferente. La segunda guitarra ácida y el protagonismo del bajo no tienen nada de simple. Un amigo músico que no los conocía ni los quería conocer acabó por conceder que “parecen iguales a mil y sin embargo por debajo son muy diferentes”.

FUEL FANDANGO, “Shiny Soul” ”Es tiempo para mí, para alimentar mi alma” (2009).

“¿¿Pero de dónde han salido estos??” Es la expresión de asombro que escuché el viernes cuando salía del conciertazo que se marcaron Fuel Fandango en una pequeña sala a la orilla del Cantábrico. Pues resulta que son un dueto (más batería en directo) formado por Ale Acosta (Lanzarote, 1980), productor y dj creador de Mojo Project y Cistina, “Nita” (Córdoba, 1987), una joven alma flamenca curtida en muchos tablaos antes de juntarse en el proyecto Fuel Fandango. La cabeza del grupo es Ale, ya veterano en esto de fusionar cosas; y el corazón sin duda es Nita, que aprendió de su origen musical (y geográfico) el arte del embrujo y que tiene la suerte de tener voz para todo lo que el grupo quiere hacer. Íbamos a conocer un grupo en plan tranqui que nos habían recomendado y del que hablaban maravillas por su actuación en el pasado Sonorama, y acabamos asistiendo a una fiesta en el puro sentido de la palabra.

COLDPLAY, "Viva la Vida" La botella medio llena (2008).

No quiero que Gabba Gabba Hey! Sea una especie de grandes éxitos del siglo XXI. Lo mismo que me apetece mostrar temas desconocidos que descubrí por casualidad y me inspiran cosas, hay grandes clásicos sobre los que se han escrito cientos de cosas. Para un blog como Hipersónica o Mondo Sonoro el momento de una canción, grande o pequeña, es el momento en que sale a la luz. En este humilde sitio, el momento es más atemporal, subjetivo, concreto… Como a cualquiera que disfrute y sienta la música, una canción se hace presente de nuevo por cualquier circunstancia. Y si hoy toca felicitarse por lo que hay y lo que se ha conseguido, qué mejor que rescatar “Viva la Vida”, la única canción que realmente me gusta de Coldplay y perdón por el exceso de sinceridad. Un título inspirado en una obra de la pintora mexicana Frida Kahlo y en algunas de sus reflexiones vitalistas.

“Cada tic-tac es un segundo de la vida que pasa, huye, y no se repite. Y hay en ella tanta intensidad, tanto interés, que el problema es sólo saberla vivir. Que cada uno lo resuelva como pueda”

THE STROKES, "Life´s a Gas" Brindando en la despedida (2006).

Hay muchas maneras de despedirse. Hay que tener cuidado con la despedida que se escoge, al fin y al cabo es el último acto de la función. Decía Sabina que todos los finales son el mismo repetido, pero no… Hay finales dignos e indignos, finales épicos, muertes dulces y lentas, finales cobardes y traicioneros… en una ejecución puedes llorar como un niño pequeño o mirar de frente y sin venda. Existe el final de Casablanca en el que cada vez que lo ves deseas que Rick se suba a ese puñetero avión, y finales como “Lo que el viento se llevó” en el que Rhett Butler se marcha realmente asqueado de Scarlett O´Hara. Existen despedidas que son un “hasta luego” y finales que son un “hasta nunca”. Y no se mide lo grande de una despedida por la cantidad de lágrimas derramadas, sino por el recuerdo que deja. Debes elegir entre un alfiler que se clava adentro o un brindis por lo vivido juntos. “Life´s is a Gas” es una canción de despedida de los Ramones, y ellos eligieron brindar. Es más, eligieron plasmar en una canción de adiós la esperanza, el ánimo y las ganas de vivir. The Strokes versionaron este tema honradamente una década después.
 

THE CARDIGANS, “I Need Some Fine Wine And You, You Need To Be Nicer” El amor también es sarcasmo y cinismo (2005).

Un brindis por los malos tiempos que van a venir. El cinismo de una relación de pareja hecha canción. El conflicto asumido, la pelea de perros y gatos… Eso es este tema de ese grupo que en los noventa vendió millones de discos y que en el siglo XXI pasó a ser un grupo marginal demasiado gastado para los jovencitos y con una etiqueta de mainstream para ser tenida en cuenta por los menos jovencitos gafapasteros. Prejuicios aparte, The Cardigans en el siglo XXI editó dos grandes discos; “Long Gone Before Daylight” (2003) y “Super Extra Gravity” (2005), al cual pertenece este tema. La fórmula del éxito, con ese sonido fácil pop-rock y esa gran voz de la carismática Nina Persson (Örebro, Suecia, 1974), parecía agotada cuando editaron ese último disco, sólo para Europa. Y sorprendieron con un conjunto de canciones aparentemente amables que sin embargo arrojaba dardos envenenados como el verso que le da el título a este tema; “Necesito un buen vino y tú, tú  necesitas ser más agradable”. Un verso que dan ganas de decirlo muchas veces para quedarse a gusto.

JOEY RAMONE, "What a Wonderful World" A veces hay canciones que dan lecciones (2001).

Esta es la mejor entrada de este blog. No por lo que se me ocurra escribir para presentarla ni porque sea el mejor tema del siglo XXI, que no existe la canción perfecta. No. Es la mejor porque es la más auténtica de todas y además es obra de una de las influencias que hicieron que naciera este sitio, nada menos que Joey Ramone. Al igual que The Show Must Go On de Queen el contexto le da el verdadero significado y la hace enorme. Joey Ramone decidió versionar este tema de Louis Amstrong para el único disco en solitario que pudo sacar en su vida. La grabó cuando sabía que le quedaba poco de vida. Eligió “What a Wonderful World” como canción de despedida junto con otro temazo que se titulaba “Don´t Worry About Me”… Cuando te estás muriendo y empiezas a echar de menos todo lo que vas a perder y todo lo que no vas a vivir, cantar sin pena que el mundo es maravilloso y que no es preocupéis por mí es verdadera valentía. “What a Wonderful World” es un ejemplo para los que quedamos aquí. Es una lección y acudo a ella para cuando pienso que todo es una mierda.

THE KILLS, “No Wow” ¿Puede ser el latido de un corazón un instrumento musical? (2005).

Una canción obsesiva que comienza con un ritmo obsesivo, machacón, la fuerza de un corazón que cada vez late con más fuerza. Música minimalista en la que el bajo, la guitarra contenida pero tensa de Jamie “Hotel” Hince y la voz de Alison “VV” Mosshart son capaces de no dejar indiferente a nadie. Puede agradar ese gusto por el esteticismo tan cool del dúo o puede no gustar. Pero esta obra de arte se distingue sobre otras miles de canciones y eso ya es un mérito. Sí, yo creo que fueron capaces de hacer del latido de un corazón un instrumento musical. O quizá es que fueron capaces de recrear con instrumentos el galope de un corazón. Qué más da… si el resultado para mí sigue siendo el mismo; “No Wow” del disco homónimo (2005), es una de las mejores canciones de este siglo XXI.

THE KILLERS, "Read my Mind", Destripando lo que ya es clásico (2006).

The Killers es uno de esos grupos del siglo XXI de los que ya se ha escrito todo y de los que se exige siempre el máximo. Sobrepasaron la barrera de lo mainstream hace tiempo y hoy los conoce cualquiera que haya visto un simple anuncio de la tele. Son tan buenos y han tenido tanta repercursión que evidentemente han generado fobias, sobre todo entre snobs de los que “el primer disco era mejor” es su frase favorita o “sonaban mejor cuando tocaban en locales pequeños”. Pero yo sé que todos piensan en su fuero interno que han dejado ya para la posteridad algunas de las mejores canciones de este siglo. “Read My Mind” (del álbum “Sam´s Town”, 2006) es una canción archiconocida, y archidesconocida. Cualquiera la asume como un temazo que transmite épicamente una especie de fuerza, de alegría, y a su vez muy pocos son (somos) capaces de interpretar el mensaje que lanza una letra tan enigmática como poética.

KULA SHAKER, "Fool That I Am" "Ámame para siempre como el tonto que soy" (2007).

Al amor no se puede ir de tonto. El amor no es un gatito que te ronronea y se soba contigo. Si vas de tonto cualquier día al despertarte te das cuenta de que te ha lanzado un zarpazo y será tarde para lamentarse. Por tonto. La banda británica Kula Shaker tiene un tema escondido en su disco del 2007 “Strangefolk”, en la época en que volvieron a juntarse tras su período de apogeo en los noventa con temas como “Hush”. “Fool That I Am” nunca fue single ni tuvo vídeo. No es un tema característico del rock psicodélico mezclado con britpop que les llevó a cierta fama. Pero es una pequeña canción con alma que me interesa contar. “El tonto que soy” es el lamento del que confundió al amor con un gatito y se lo comió un tigre.

THE SHINS, "Simple Song" A veces los viejos barcos llegan a buen puerto (2012).

The Shins, el ya viejo grupo de Alburquerque, Nuevo México, han adelantado algo de lo que será su próximo disco (Port of Morrow, marzo de 2012), después de varios años de silencio, los cuales yo personalmente no les había echado de menos. Eran The Shins, decían que eran buenos, que su alma y vocalista James Mercer (Hawai, 1970) tenía una sensibilidad y voz muy personales. Que eran de los que más vendían de esa discográfica alternativa casi mítica que es Sub Pop. Su pop-rock de influencias que iban desde Beach Boys a Belle & Sebastian (el grupo más aburrido de la historia?) me parecía agua del grifo, que no sabe mal pero no es ningún placer. “Simple Song” leo que ha decepcionado a los que les gustaba el estilo dulzón de James Mercer. Por eso quizás a mí me parece un temazo que no es nada simple, que sabe a clásicos de los años 70, que tiene cierta épica, y sobre todo, que no sé por qué, que tiene capacidad de convertir un domingo por la tarde por lo menos en un viernes. Magia potagia.

THE RAVEONETTES, "Blitzed" "La belleza de nuestro amor está muerta" (2007).

Aprovechando que The Raveonettes han sacado hace unas semanas un disco de rarezas y caras B, y antes de devorarlo convenientemente, vuelvo hacia quienes ya dije en su momento que a veces pienso que es mi grupo favorito nacido en el siglo XXI; y que son un puño de hierro en guante de seda para decir lo que dicen en sus temas. No soy de cambiar fácilmente… “Blitzed” es uno de tantos ejemplos que justifican esas cosas tan gruesas. De su disco más oscuro “Lust, Lust, Lust” (2007) es una descarga de su estilo característico en estado puro, suavizado últimamente por cierto; guitarras surf prestadas de The Ventures, sonido sucio y distorsionado (o lo-fi y noise, que dirían los críticos gafapastas), letras de la Velvet Underground y melodías y muro de sonido del increíblemente loco e influyente Phil Spector. Todo al servicio de una idea; el deseo de ceder a la tentación, el peligro de la tentación en el amor, el deseo como algo poderoso y destructor.