SHARON VAN ETTEN, “Serpents” ”Pensé que me ibas a tomar en serio” (2011).

Es el momento de los buenos propósitos. Uno que debería ser de obligado cumplimiento es el de no hacer el gilipollas por quien no merezca la pena; dejar atrás a la persona en cuestión o llevar una ristra de ajos contra los posibles vampiros que acechen en el camino; seguir adelante arreglando lo roto que quede dentro; escapar, sobre todo escapar; aprender, sobre todo aprender. Es un buen deseo para las uvas de nochevieja y si en tiempos de crisis los Reyes Magos se estiran un poco y regalan una tonelada de fuerza… todo será más fácil. Pero el primer paso es reconocerlo…como en las reuniones de Alcohólicos Anónimos. Yo, Sharon Van Etten, hago el gilipollas por alguien que me hace sufrir. Es un tema universal, pero pocas canciones como “Serpents” transmiten ese miedo, mala baba y reproches de quien decide bajar del altar al falso dios; “disfrutas chupando mis sueños, así que me acostaré con alguien que no seas tú”.

HOWLER, “America” Lo importante para que salga el plato son buenos ingredientes (2012)

Howler son otra de las revelaciones del año. Al igual que Kadavar no hacen nada nuevo, ni siquiera en la forma en que mezclan los ingredientes ya conocidos, aunque tienen más suerte. Si el hard rock alguien ha decidido que no está de moda, siendo malo quizá porque las barbas y las melenas quedarían muy poco estilosas con las gafas de pasta, el rock acelerado de regusto garagero y surf aún sobreviven a los gurús. Aún no quedas del todo mal si después de ver la película uzbeka en versión original en tu coche suena algo como Howler. Si se cuela Kadavar, qué decir de Extremoduro que además es número uno de ventas cada vez que publican algo… pasa rápido de canción o tus nuevos amigos modernos no te ajuntarán más. Y Howler tienen la suerte de meter en la coctelera de su disco debut “America Give Up” (junio, 2012) las influencias que a muchísima gente nos hace hervir la sangre; The Strokes, Ramones, The Vaccines.

LORDS OF ALTAMONT, “Ain´t It Fun” Versionando el himno de los Dead Boys (2011).

Este sitio será del siglo XXI pero la música de ahora es hija mestiza de las últimas décadas del siglo XX y yo mismo soy hijo físico deseado de ese siglo. Podré escuchar lo de hoy, es “nuevo”, es el momento que vivimos, es nuestro mundo… pero quién no siente que de algún modo estuvo en la Caverna con los Beatles; en Woodstock o la isla de Wight; en el San Francisco de flores en el pelo; en New Haven cuando Jimbo fue detenido en el escenario; en el Detroit de la Motown o en las calles del Londres del 77. Son lugares comunes y son refugios. Especialmente esos rincones de Manhattan a mediados de los 70 tan cercanos ya  la vez tan lejanos de Wall Street. Allí donde convivían el paro juvenil, la delincuencia, el bajón de la heroína y la resaca de los años 60, los tirados anónimos y los genios como Dylan, Cohen, Kubrick, Arthur Miller a las puertas del Hotel Chelsea, el Greenwich Village, el Lower East Side. Una imagen romántica, decadente, pero dura. El Nueva York dormido y aburrido que estaba explotando. Los Dead Boys llegaron a la Gran Manzana llamados por los Ramones, los inadaptados sociales, los creadores de ese sonido acelerado y casi provocador llamado “punk” que hacía juego casi con lo desagradable del momento. Dead Boys harían uno de los himnos históricos de la desesperación de esa generación, la primera a la que le habían prometido todo y que no tenía nada. Por el camino se llevaron la gloria de ese tema los Guns & Roses, con una versión-copia (perdón, no me gustan los G&R ni de coña). Treinta años después “Ain´t It Fun” es más real que en los 90. Y The Lords of Almont es sólo una excusa.

BINKI SHAPIRO & ADAM GREEN, ‘Here I Am’ ¿Cualquier tiempo pasado fue mejor? (2012).

No, cualquier tiempo no fue mejor. Pero cuando suena una dulce canción francesa, o cuando oyes por ejemplo, “My Girl” de los Temtations, te sientes seguro. Da igual que no lo hayas vivido. Es un refugio que huele a flores, a mar de verano. Si la música es evocación, “Here I Am” recuerda tiempos en que eras más inocente, fueran esos tiempos los que fueran. Los mitificados años 60 estuvieron plagados de cosas nada inocentes, pero el cine de Hollywood, los grandes mitos, los coros de las group girls, la memoria colectiva selectiva los han convertido en un referente. Esta canción es del 2012, pero podría ser parte de la BSO de Dirty Dancing.

THE KILLERS, “Miss Atomic Bomb” ”Vas a echarme de menos cuando me haya ido” (2012)

Lo último de The Killers  quizá era el disco más esperado del año, porque  se han convertido a estas alturas en un fenómeno de masas. Cuando gustas a demasiada gente y de gustos diferentes puedes convertirte en el muñeco del pim pam pum al que acusan de hacer “música comercial”, de ser fáciles, evidentes. De no tener esa capacidad innata que tienen los Bon Iver y compañía de hacer disfrutar sólo a una selecta minoría capacitada para encontrar los matices dentro de ese aparente (muy aparente) aburrimiento). Tras cuatro años mudos, el regreso de The Killers ha sido un éxito maduro. Si con “Day & Age” explotaron su lado bailongo, con regusto thecno-pop incluso glam, alejándolo del sonido rockero de sus inicios, en este “Battle Born” (septiembre, 2012) se nota que no sólo yo me hago mayor. Para unos eso significa que esa épica tan típica de los de Las Vegas se ha convertido en tedio. Para otros eso significa que como el vino bueno, el regusto que te dejan en la boca dura más tiempo aunque no entre a la primera.

THE RAVEONETTES, "Till The End", Hasta de las depresiones puede salir algo bueno (2012).

 

Hay momentos de sopor vital que duran una tarde de domingo. El tema que cierra el último disco de The Raveonettes (“Observator”, septiembre 2012) tiene capacidad  de ponerte en movimiento de una bofetada aunque lleves hibernando más tiempo. Es un empujón, un me-voy-a-comer-el-mundo-hasta-con-espinas. Es esa sensación de cuando tenías 18 años y te mirabas al espejo antes de salir el sábado por la noche, en que te decías a ti mismo “hoy la encuentro y le digo algo”. The Raveonettes pueden ser más oscuros que el carbón o más naif que una película de Disney. Pero hace algún tiempo que se han decantado más por lo primero, quizá en consonancia con esta época tan optimista. Sus canciones se mueven en medios tiempos de pop noise melancólico y nostálgico. Pero alguna vez aún saltan chispazos como este, en que quieren creerse el cuento y utilizan la distorsión de sus queridos Jesus and Mary Chain no tanto para crear desasosiego, sino para inyectar adrenalina.

SLEIGH BELLS, “Demons” Un poco de mala leche (2012).

Sleigh Bells… ummm… No sé si esto es una mezcla perfecta entre los riff adictivos de los grupos heavy hortera de los ochenta y el indie pop más cool (oh yeah…). No sé si su segundo disco, “Reign of Terror” (febrero 2012) es más bien nosise-pop blandito, si esos guitarrazos lo convierten en rock, si esa base electrónica hará que sea digno del local moderno de turno de este verano, o si esa vocecilla femenina de los años 60 lo harán un disco comestible para mucha gente. Todavía no sé si me gusta el disco este o no… Tampoco sé si es puro pose de chica guapa pija rebelde de chupa de tachuelas o yo soy un paleto, que para eso son de Brooklyn. Y es que desde que la burbuja inmobiliaria echó a la bohemia del Village en Brooklyn se cocina lo más “in”. No sé si son originales o una copia más inteligente de lo que hacen Tin Tings. No sé si es una patada en la boca o un envoltorio hermoso pero vacío.

BIG DEAL, “Seraphine” ”Yo podría durar para siempre en tus brazos sabiendo que nada es para siempre” (2011).

Un diálogo de guitarra eléctrica y otra acústica, y un diálogo vocal entre Alice Costelloe (Londres, 1993) y  Kacey Underwood (California, 1983). Nada más, ni percusión ni bajo. Simple y delicado, minimalismo para expresar la complejidad de las emociones humanas entre la juventud y la madurez. Eso es Big Deal, un dúo que sacó su disco debut “Lights Out” el año pasado y que tiene un origen curioso. A él, profesor de música que buscaba crear un proyecto de banda, una compañera le presentó a su hija, con la intención de que probaran algo juntos. El resultado, ese “Gran Acuerdo” (Big Deal), doce canciones no aptas para estadios, alejadas de la épica, con melodías sencillas, armonía vocal y a la vez cierta sofistificación, que para eso son “indies”. No son simples canciones bonitas simples. Y como muestra, “Seraphine”, un tema que no fue single y que convierte algo aparentemente prosaico como una noche de amor fugaz en algo poético, melancólico, con regusto a tristeza, que es el sabor que queda cuando alguien quiere más de quien no quiere darte más.

BASS DRUM OF DEATH, “Get Found” Quiero energía sucia y nostálgica (2011).

Cuando no se tiene ganas de pensar demasiado. Cuando se tiene prisa. Cuando no hay tiempo para escuchar sino sólo se quiere sentir. Cuando pasas de lo indie, lo moderno, lo experimental, lo original. Cuando quieres sentirte cómodo, con lo que reconoces. Cuando te sube algo adolescente por dentro y lo dejas estar. Cuando estás nervioso y no quieres dejar de estarlo. Cuando echas de menos no tener alcohol en ese momento a mano. Cuando no quieres nada limpio, ni bello, ni armónico, ni equilibrado, ni medido. Cuando sabes que tienes que hacer cosas pero pasas. Cuando sin entender no sabes por qué no te apetece hablar con nadie y tampoco sabes por qué estás de mala leche. Hoy es miércoles y debería ser viernes por la noche. La música es un estado de ánimo. Justo en este momento hay quien escucharía salsa, o una descarga de adrenalina electrónica… no sé. Pero esta cabra tira a su propio monte. Para este momento ando husmeando y encuentro algo que se me escapó del pasado año; “Get Found” de Bass Drum of Death.

JACK WHITE, “Sixteen Saltines” Celos y adolescencia descontrolada en lo nuevo del genio de la guitarra (2012).

Tras morir definitivamente The White Stripes el año pasado, el alma de ese dueto que ya es parte de la historia de la música, ha comenzado su carrera en solitario. Jack White (Detroit, 1975) es un genio loco que además de crear esa banda que revitalizó como nadie el garage rock, lo mismo colabora con otros, que crea bandas alternativas como The Raconteurs o The Dead Weather o versiona lo que haya que versionar. Esta semana sale a la luz su primer disco en solitario (“Blunderbuss”) y parece que supone la continuación estilística de The White Stripes, lo cual es una gran noticia. “Sixteen Saltines” es un adelanto de lo que será el disco, siguiendo con esa voz ácida, esas letras intensas, y sobre todo esa mezcla de garage y blues rock que sale de los riffs inconfundibles del genio.

THE MARS VOLTA, “Zed and Two Naugths” Tan raro y difícil como la vida misma (2012).

La música del caos, así se podría definir lo que hacen The Mars Volta. Muy apropiado por otra parte para el mundo que nos ha tocado vivir, donde nada de lo que parecía seguro lo es y el suelo se mueve bajo nuestros pies. Es difícil explicar lo que hacen, es difícil explicar lo que transmiten y cómo lo percibo. A veces mil palabras no sirven para explicar sensaciones. Y más cuando esas sensaciones con un torbellino sin aparente orden ni concierto. El mundo que se está yendo al carajo nadie sabe explicarlo. La música de The Mars Volta es inexplicable. Tan rara y difícil como la vida misma. Por eso quizás sean considerados ya un grupo de culto. A finales de marzo salió a la venta su “Noctourniquet”, después de tres años callados, y se han vuelto aún más marcianos de lo que eran antes.

THE STROKES, "Life´s a Gas" Brindando en la despedida (2006).

Hay muchas maneras de despedirse. Hay que tener cuidado con la despedida que se escoge, al fin y al cabo es el último acto de la función. Decía Sabina que todos los finales son el mismo repetido, pero no… Hay finales dignos e indignos, finales épicos, muertes dulces y lentas, finales cobardes y traicioneros… en una ejecución puedes llorar como un niño pequeño o mirar de frente y sin venda. Existe el final de Casablanca en el que cada vez que lo ves deseas que Rick se suba a ese puñetero avión, y finales como “Lo que el viento se llevó” en el que Rhett Butler se marcha realmente asqueado de Scarlett O´Hara. Existen despedidas que son un “hasta luego” y finales que son un “hasta nunca”. Y no se mide lo grande de una despedida por la cantidad de lágrimas derramadas, sino por el recuerdo que deja. Debes elegir entre un alfiler que se clava adentro o un brindis por lo vivido juntos. “Life´s is a Gas” es una canción de despedida de los Ramones, y ellos eligieron brindar. Es más, eligieron plasmar en una canción de adiós la esperanza, el ánimo y las ganas de vivir. The Strokes versionaron este tema honradamente una década después.
 

JOEY RAMONE, "What a Wonderful World" A veces hay canciones que dan lecciones (2001).

Esta es la mejor entrada de este blog. No por lo que se me ocurra escribir para presentarla ni porque sea el mejor tema del siglo XXI, que no existe la canción perfecta. No. Es la mejor porque es la más auténtica de todas y además es obra de una de las influencias que hicieron que naciera este sitio, nada menos que Joey Ramone. Al igual que The Show Must Go On de Queen el contexto le da el verdadero significado y la hace enorme. Joey Ramone decidió versionar este tema de Louis Amstrong para el único disco en solitario que pudo sacar en su vida. La grabó cuando sabía que le quedaba poco de vida. Eligió “What a Wonderful World” como canción de despedida junto con otro temazo que se titulaba “Don´t Worry About Me”… Cuando te estás muriendo y empiezas a echar de menos todo lo que vas a perder y todo lo que no vas a vivir, cantar sin pena que el mundo es maravilloso y que no es preocupéis por mí es verdadera valentía. “What a Wonderful World” es un ejemplo para los que quedamos aquí. Es una lección y acudo a ella para cuando pienso que todo es una mierda.

THE KILLS, “No Wow” ¿Puede ser el latido de un corazón un instrumento musical? (2005).

Una canción obsesiva que comienza con un ritmo obsesivo, machacón, la fuerza de un corazón que cada vez late con más fuerza. Música minimalista en la que el bajo, la guitarra contenida pero tensa de Jamie “Hotel” Hince y la voz de Alison “VV” Mosshart son capaces de no dejar indiferente a nadie. Puede agradar ese gusto por el esteticismo tan cool del dúo o puede no gustar. Pero esta obra de arte se distingue sobre otras miles de canciones y eso ya es un mérito. Sí, yo creo que fueron capaces de hacer del latido de un corazón un instrumento musical. O quizá es que fueron capaces de recrear con instrumentos el galope de un corazón. Qué más da… si el resultado para mí sigue siendo el mismo; “No Wow” del disco homónimo (2005), es una de las mejores canciones de este siglo XXI.

THE KILLERS, "Read my Mind", Destripando lo que ya es clásico (2006).

The Killers es uno de esos grupos del siglo XXI de los que ya se ha escrito todo y de los que se exige siempre el máximo. Sobrepasaron la barrera de lo mainstream hace tiempo y hoy los conoce cualquiera que haya visto un simple anuncio de la tele. Son tan buenos y han tenido tanta repercursión que evidentemente han generado fobias, sobre todo entre snobs de los que “el primer disco era mejor” es su frase favorita o “sonaban mejor cuando tocaban en locales pequeños”. Pero yo sé que todos piensan en su fuero interno que han dejado ya para la posteridad algunas de las mejores canciones de este siglo. “Read My Mind” (del álbum “Sam´s Town”, 2006) es una canción archiconocida, y archidesconocida. Cualquiera la asume como un temazo que transmite épicamente una especie de fuerza, de alegría, y a su vez muy pocos son (somos) capaces de interpretar el mensaje que lanza una letra tan enigmática como poética.

THE SHINS, "Simple Song" A veces los viejos barcos llegan a buen puerto (2012).

The Shins, el ya viejo grupo de Alburquerque, Nuevo México, han adelantado algo de lo que será su próximo disco (Port of Morrow, marzo de 2012), después de varios años de silencio, los cuales yo personalmente no les había echado de menos. Eran The Shins, decían que eran buenos, que su alma y vocalista James Mercer (Hawai, 1970) tenía una sensibilidad y voz muy personales. Que eran de los que más vendían de esa discográfica alternativa casi mítica que es Sub Pop. Su pop-rock de influencias que iban desde Beach Boys a Belle & Sebastian (el grupo más aburrido de la historia?) me parecía agua del grifo, que no sabe mal pero no es ningún placer. “Simple Song” leo que ha decepcionado a los que les gustaba el estilo dulzón de James Mercer. Por eso quizás a mí me parece un temazo que no es nada simple, que sabe a clásicos de los años 70, que tiene cierta épica, y sobre todo, que no sé por qué, que tiene capacidad de convertir un domingo por la tarde por lo menos en un viernes. Magia potagia.

INTERPOL, "Evil" Brindando con vinagre (2004).

Dado que estamos en estas entrañables fiestas qué mejor que poner la canción que recuerdo que está basada en lo más procaz, desagradable, dantesco y cuantos adjetivos quieran usarse. No es que sea alguien que esté enfadado con el mundo ni que le guste despreciar lo que aparentemente todo el mundo valora. Es sólo por equilibrar con tanto amor, aunque sea por brindar con vinagre con quien no puede sentirse tan bien en estas fechas. Si la banda sonora de la Navidad fuera el Merry Christmas de los Ramones o el Christmas, Baby Please Come Home de U2, quizá seguiría brindando aunque fuera una sola vez con los marginados de la Navidad, pero al menos no me parecería todo tan hortera. “Evil”, maldad, un título que promete para la que me parece la mejor canción de Interpol. Una canción basada en dos asesinos en serie.

TENNIS, "Marathon" Música perfecta para ponerse a nostalgiar (2011).

A principios de año una pequeña banda de Denver (Colorado, EE.UU.) formada en esencia por un matrimonio de jovencitos que no tenían pinta de fumar ni de beber debutaba con su primer disco de larga duración llamado “Cape Dory”. Tennis, se hacían llamar. Ella, vocalista y teclista, se llama Alaina Moore; él, guitarrista, se llama Patrick Riley. Ambos son rubios, de piel clara, vestir clásico, sonrisa inocente… muy en consonancia con su música inspirada en el pop más sesentero. Sonido limpio, letra “limpia”, voz dulce. Retro pop, lo llaman, como si hubiera algo en música hoy que no sea retro. “Cape Dory” es la experiencia de la pareja navegando un año por el Atlántico en un velero de treinta pies. Alaina tenía formación clásica de piano y él había tocado en alguna banda local pero en alta mar no pensaban en música sino en la vida y la experiencia que vivían. Cuando comenzaron a pensar en el pasado… se convirtieron de nuevo en músicos. Y en matrimonio. La música que les nació, fue la perfecta para nostalgiar.

THE BABIES, "Wild 2" "Y vamos a montar de nuevo algún día" (2011)".

Siguiendo con mi repaso de parte de lo que he olvidado plasmar aquí del 2011, recuerdo a The Babies y su “Wild 2”. The Babies, grupo que se creaba a finales del 2010 en base a dos artistas contrastados; Cassie Ramone, la chica, de las Vivian Girls y Kevin Morby, el chico, de Woods. Ambos de Nueva York, más concretamente de Brooklyn, lugar como he comentado que representa a día de hoy en el arte lo que el barrio Montmartre de París representaba hace cien años. Se conocieron, se enseñaron cuanto menos partituras y en apenas unos meses se metieron en la trastienda de un local para grabar su disco de debut homónimo que vio la luz en febrero de 2011. La verdad, son de los que demuestran que no hace falta tanta historia para grabar un puñado de canciones a no ser que seas Extremoduro y quieras hacer una obra de arte de más de 90 pistas.

RADIO MOSCOW, “I Don´t Need Nobody” ”Rock psicodélico para tu alma” (2011).

Así hablan de sí mismos Radio Moscow; “rock psicodélico para tu alma”. Y desde luego no engañan. Escuchar “I Don´t Need Nobody” es volver al verano de 1967, y ver en la playa iluminado por una fogata la figura mayestática de Jimmy Hendrix con una cinta en el pelo contoneándose por lo que podría ser perfectamente su música. Todo en Radio Moscow suena a psicodelia blusera. Incluso las portadas de sus tres discos. Cualquiera diría que el bueno de Jimmy dejó unas cuantas canciones enterradas a modo de tesoro en algún lugar y estos chicos de Iowa lo descubrieron.